Иваний Глеб работы

紙に記された一連の宣言書（マニフェスト）。
これらのマニフェストはアーティストたちへの呼びかけであり、このオブジェクト自体に反映されている思想を説くものである。
それぞれの紙には、ペンによって圧力をかけ、紙を凹ませることでテキストが刻まれている。情報の解読は理論上可能ではあるが、そのためには特殊な照明条件、時間、そして現物の紙を直接観察する機会を必要とする

コンクリートの塊の中に封印された、純銀（純度999）の彫刻。
このオブジェクトは、水が滴り落ちる状態で展示され、その水が歳月をかけて少しずつコンクリートを浸食していく。
彫刻と観客との「最初の接触」がいつ訪れるのか、それは未知数であり、あるいは永遠に訪れないかもしれない。作品の顕現（あらわれ）は、作者や観客の意図ではなく、時間の経過と環境の変化のみに委ねられている。
本作品は、時代を先駆けたアーティストたちに捧げられたものである。

情報過多と検閲の時代における芸術の諸問題、およびその解決策に関する論考。
制作期間：2019年 — 2026年

署名入りの紙に赤のドライパステルで描かれた連作。
完成後、各作品には赤色の透明フィルムが貼付される。このフィルムが赤色の光を吸収することで、作品は人間の目には不可視の状態となる。
フィルムを剥がそうとする行為は、そのまま作品の破壊へとつながる

この連作は、混沌とした線の中に隠されたコンポジション（構成）であり、全5幕の物語を綴っている。
「頌歌（オード）」というジャンルと、5幕構成の劇的な叙事構造の組み合わせは、本シリーズの本質を映し出すメタファーとなっている。歴史的な出来事や英雄に捧げられる荘厳な詩としてのオードが、ここでは劇的な展開と衝突する。この組み合わせは、物語が持つ記念碑的な悲劇性を強調している。
エディション：10部限定

「回帰（リカーション）」は、砂の山の中に隠された、わずか一粒の破片から成る彫刻のシリーズである。これらの作品は永遠に失われているが、同時に確かに存在している。観客の目に触れている可能性はあるが、その事実は決して証明されることはない。
作品のタイトルは、それが自身の内側で繰り返される無限の反復の一部であることを示している。砂山の中で失われた一粒の砂が人間にとって無意味であるのと同様に、地球の規模における人間、銀河の規模における地球もまた、等しく微小な存在である。

制作実績：

• 2024年、大理石、1.8 × 1 × 0.75 mm、現代アートセンター「OGON」、イルクーツク、ロシア
• 2025年、石灰岩、2.6 × 1.8 × 1 mm、Zlate Oci gallery、サンクトペテルブルク、ロシア
• 2026年、花崗岩、2.5 × 1.4 × 1.1 mm、ドロ ギャラリー、大津、日本

水と紙を用いて制作されたグラフィック作品のシリーズ。
作品の最終的な形態は、乾燥し変形した一枚の紙であり、その質感は、消失した「原初のイメージ」の痕跡を留めている。
観客は作者が描いたコンポジション（構成）を直接目にすることはできず、その「足跡」のみを観察することになる。作品は視線から遮断されていると同時に、本来の質感を保存する「型」や「傷跡」のように、そこに確かに存在している。

鉄筋コンクリートに油彩を施したオブジェクト。
この彫刻はラリオーノフの「レイヨニズム（光線主義）」の原理に基づいて構築されており、オブジェクトの形態と色彩は、光の温度、時間、そして方向を示すマーカー（指標）となっている。
作品のタイトルは地理学とキリスト教の主題を想起させる。それは、ここでの「作品」とはこの彫刻のためだけに存在する「風景」そのものであることを示している。
オブジェクトと風景の共依存的な存在は、閉じた自己充足的なシステムを構築しており、観客はそこでの整合性に影響を与えない「外部の観察者」となる。

2019年から2021年にかけて、第三者の視線から完全に隔離された状態で制作されたキャンバス作品。作品の表面に何が描かれているのか、その情報を保持しているのは作者ただ一人である。
この絵画は表面を壁に向けて展示されるが、周囲の環境と相互作用することを意図して設計されている。作品は「透過的な情報の指向性」を持ち、キャンバスの前の空間と接触し続けるが、そこに観客が存在するかどうかを確認する術はない。
絵画は観客のために存在し、同時に観客も絵画のために存在する。両者は「重ね合わせ（スーパーポジション）」という二つの状態で同時に成立している。
観察者はキャンバスの表面に何があるのかを想像することはできるが、それはあくまで推測の域を出ることはない。

この作品は、黒い布で覆われた絵画である。内側のイメージはその「覆い（ペール）」と相互に作用しており、世界における自己のポジショニングについての作者の考察となっている。
外形は十字架の上部を想起させるが、内部が不可知であるため、観る者に自由な連想を抱かせる。この表現は作品のテーマを強調している。すなわち、人間のあらゆる外的な表れは、その人が「外に出すことのできるもの」に過ぎないということだ。この外殻は、その人の内面とは恐らく異なるものであり、たとえ他者に理解されたいと切望したとしても、その望みを達成することはできないという事実を突きつけている。

作者の「眠り」そのものを作品としたパフォーマンスのビデオ記録。
作者の脳の無意識の部分が「創造者」の役割を担い、意識的な部分が「観客」の役割を果たす。
ビデオによる記録は、身体の動きの変化、表情、呼吸の頻度といった形で、アーティストの頭の中で起きていることの「残響」のみを可視化する。

作品「空間（スペーシス）」は、鏡面を互いに向かい合わせにして配置された2枚の鏡である。それらは、自らの内側に存在する暗闇を無限に映し出し続けている。
鏡は木製の構造体で固定されており、壁に頼ることなく垂直に自立している。

この作品は、芸術作品の「自律性」への考察の起点となった、グレブの転換期を象徴する一作である。画面の構成は、フォーマットの外側に存在する巨大な動きの断片であるかのような感覚を抱かせる。グラデーションと色彩の象徴性を駆使し、中心部がどのように見えるべきか、そしてフォーマットの境界を越えた先がどのような姿をしているかという論理を構築している。
心理学的・文化的な意味が交差する点において、色彩の象徴性が極めて重要な役割を果たす。作品の背後から光が差し込むと、中心部に発光が現れ、他のすべてを圧倒するような形で「真理」を露わにする。
本作は依然として観客との相互作用を保っており、「観客に対して明快で明白な動きを提示することでその行く手を阻み、障害の内側を見つめさせ、その先の動きを自ら想像させる」という課題を自身に課している。しかし、すでにこの作品には、のちに作者の活動の視点を劇的に変えることになる思想の反映が見て取れる。
「ネボジテリ（天空の住人）」は、思考の誕生からその複雑化、探求、そして行き止まりとしての危機に至るまで、あらゆる人間の営みの流れを映し出している。同時に、その危機からの出口は、全く逆の、一見すると不明瞭な方向に存在しており、それこそがこの探求の道が本来目指していた真の航路を切り開くのである。

テキスト：ワシリー・クズネツォフ

「m²」— 1平方メートル（1m²）の面積に限定された「空間」そのものを作品とするシリーズ。この区画の中に偶然、あるいは意図的に入り込むあらゆるもの（身体、ゴミ、空気、影、自動車、その他のオブジェクト）は、芸術作品の一部となる。指定された境界線からはみ出す形態を切り捨てることで、シンプルな動的彫刻から複雑な抽象形態までが創り出される。

本シリーズの各作品は、その所在を示す座標によって定
義されている：

• 北緯 25.79450° 西経 80.13370°、アート・バーゼル・マイアミ・ビーチ、フロリダ、アメリカ、2025年12月5日
• 北緯 55.756037° 東経 37.665769°、現代アートセンター Winzavod、モスクワ、ロシア、2025年12月9日

「プレネール（外光製作）」プロジェクトにおいて、作者はストリートアートの古典的な手法を再考している。ここでの「署名（サイン）」は、グラフィティのタグのような独立した作品としてではなく、作者が見出したオブジェクトを属性化するための「マーカー」として機能する。これは一種の「ストリートアート・レディメイド」であり、風景、建造物、樹木、あるいは街角の細部に至るまで、あらゆるオブジェクトが彼の署名入りの作品へと変貌を映し出す。
グレブは「創造」という行為の代わりに「選択」という行為を行う。自身が関心を抱いたオブジェクトに署名を施すことで、それらに作品としてのステータスを固定させる。署名は単なる印ではなく「指名」の儀式であり、その瞬間からその情景は彼の作品となる。ここでの写真は、単なる記録（ドキュメンテーション）としての行為に過ぎない。
アカデミックな絵画教育を受けたグレブ・イヴァニイは、この手法の中に、彼にとって無意味なエチュードやキャンバスを量産することなく、絵画的表現を成立させる可能性を見出している。

通常、私は個人的な作品を作ることはなく、主観的な解釈を排した普遍的で壮大なテーマを扱うよう努めています。しかし最近、自分の人生と作品はあまりにも密接に結びついており、両者を切り離すことはできないという結論に至りました。そこで、日記としての作品シリーズを始動することにしました。
作品「2024.09.13」は、私の人生において現時点で最も暗い時期に制作されたものです。その時期の終盤、私は内に秘めた感情を解放し、固定するために、何か意味のある作品を生み出す力と意欲をようやく見出しました。しかし、私はあまりにも空虚で、生み出せたのはこの作品だけでした。当時の私の状態がそうであったように、意味も、タイトルも、目的もない作品です。
それは、真空の中に存在する、底知れぬ、絶望的で、絡み合った虚無なのです。

本作は、動的なものと不変的なもの、刹那と永遠、そして「人の世界」と「物の世界」の相互作用を扱っている。
鏡に映し出された作者の無表情な姿は、一面では絶え間なく変化し続ける人間の生のダイナミズム（人間はいかなる瞬間も完成された存在ではないということ）を物語り、他面では、作者の場所には誰でも入り込みうるという事実を示唆している。これは個人的な物語ではなく、全人類が共有する運命なのだ。
「物の世界」は、人間の世界よりもはるかに永続的で安定している。洗面台、タイルに刻まれた文字、鏡。これらすべての要素は、この場所に人間が現れる前から存在し、人間が去った後も残り続ける。人間は幽霊のように一時的に現れては、物の世界に自らの痕跡を残そうと試みる。「私は存在する」、あるいは「私は存在した」と告げるために。
この「自画像」において、鏡の中には洗面台のすぐ前に立つ人物が映っているにもかかわらず、現実の洗面台の前には誰もいないという事実がそれを物語っている。そこにあるのは、右隅に下書きが描かれたキャンバスだけだ。それは「痕跡を残そうとする試み」そのものである。
本作はインターネット上で、特に有名な画像掲示板「Dvach（ドゥヴァッチ）」において、ロシアにおける過酷な生活を象徴する図像として、数多く引用されてきた。
テキスト：ワシリー・クズネツォフ